A música ambiente é um gênero profundamente influente na história da música, embora sua abordagem possa parecer complexa para quem está começando. Trata-se de uma categoria vasta, com inúmeros estilos e variações, o que pode gerar dúvidas sobre qual caminho seguir para aprender suas técnicas. Este artigo irá explorar cinco áreas fundamentais da produção que são aplicáveis a qualquer tipo de música ambiente, servindo como base para que qualquer um possa desenvolver seu estilo pessoal.
Desvendando a Música Ambiente
Existem muitas concepções errôneas sobre o que a música ambiente realmente é. É importante começar com algumas definições básicas. Ao contrário do que se pode pensar, a música ambiente não é apenas um som de fundo para sua vida – embora possa, de fato, ter essa função. De modo geral, a música ambiente desloca a ênfase do ritmo e das estruturas convencionais das canções, focando-se na atmosfera, no humor e na textura. Isso não significa que ela sempre careça de ritmo ou arranjo, mas sim que a atmosfera e o humor são os elementos mais importantes. Muitas peças abraçam a simplicidade e a sutileza, mas há também uma vasta quantidade de obras densas e intensas.
Para dar uma ideia da amplitude desse gênero, considere exemplos que vão de peças minimalistas a criações complexas. Independentemente do que mais inspira um produtor, existem cinco áreas da técnica de produção que são essenciais: espaço, textura, harmônicos, dinâmica e tempo. Vamos explorar cada uma delas e ver como podem ser aplicadas.
As 5 Técnicas Fundamentais para Criar Música Ambiente
1. Espaço
O uso criativo do espaço e da espacialização é uma das áreas mais importantes na produção de música ambiente. A atmosfera, o sentimento e o humor de suas faixas serão significativamente determinados por esse fator. O senso de espaço na música é definido principalmente por dois elementos: reverb e panning.
O reverb permite simular espaços físicos, como catedrais e cavernas, além de criar ambientes imaginários que parecem se estender infinitamente. Existem reverbs projetados especificamente para a produção de música ambiente, oferecendo possibilidades de reverberação não convencionais ou extremas, como o popular Valhalla Supermassive. Ao usar reverb para música ambiente, experimente com altos valores de “dry/wet” e tempos de decaimento longos, prestando atenção ao acúmulo de frequências. É comum aplicar reverb pesado em sons tonais ou harmônicos para sustentar e enfatizar notas. No entanto, é preciso ter cuidado para que as frequências ressonantes não saiam do controle, resultando em um som desagradável. Para manter isso sob controle, utilize os filtros e equalizadores embutidos no seu reverb ou processe o sinal molhado separadamente. É uma boa prática usar um canal de envio de efeitos para o reverb, permitindo um controle fino dos harmônicos sem afetar o som original. Para entender mais a fundo esse efeito essencial, confira O Mistério do Reverb: O Efeito Que Moldou a Música Moderna!.
O panning, por sua vez, também contribui para uma excelente atmosfera espacial. Ele pode ser explorado com os controles clássicos do mixer, com efeitos de delay estéreo (buscando o parâmetro “ping pong” ou tempos de delay diferentes para os canais esquerdo e direito) ou efeitos de panning automático, como o Auto Pan do Ableton Live. Embora a espacialização seja gratificante, o movimento excessivo pode ser desorientador ou distrair de outros elementos da faixa. O ideal é experimentar para encontrar o equilíbrio certo.
2. Textura
A textura é um dos aspectos mais interessantes da música ambiente para explorar. É uma forma poderosa de dar às suas faixas elementos únicos que ajudarão a definir seu estilo e a se destacar. Um termo técnico mais preciso para essa área da produção é timbre, definido como os aspectos do som distintos do tom e do volume.
Exemplos de sons que enfatizam a textura ou o timbre incluem ruídos de vinil, sons ambientes e sons naturais, como folhas e água. É especialmente gratificante sobrepor diferentes tipos de sons texturais, e ainda melhor quando se adiciona um senso de espaço e movimento através do panning. Sons texturais tendem a ocupar uma faixa de frequência mais alta. Embora seja comum usar reverb em sons texturais, o ideal é ser mais sutil do que com elementos tonais ou harmônicos, pois o excesso pode soar áspero, artificial ou comprometer a definição desses sons. As principais formas de incorporar mais textura à sua música ambiente são com samples, gravações de campo e plugins dedicados. Como sempre, EQ e filtragem são cruciais para controlar a energia nas altas frequências, que podem soar ásperas se não forem bem gerenciadas. Experimentar com a modulação da frequência de corte de um filtro em um som textural pode ser muito divertido e criativo.
3. Harmônicos
Por harmônicos, entende-se os elementos tonais e atonais do som que podem ser medidos em frequência. A palavra-chave central aqui não é melodia ou harmonia, pois na música ambiente, é possível brincar com frequências sem necessariamente pensar em linhas melódicas ou progressões de acordes – embora isso também seja uma opção.
Como mencionado, os harmônicos são frequentemente apoiados e aprimorados pelo reverb na música ambiente, unindo-se em uma agradável massa de tons. Para tirar o máximo proveito, é útil trabalhar com acordes e harmonias. A música drone, por exemplo, é frequentemente focada em harmônicos, seja usando acordes no estilo ocidental ou clusters de tons mais complexos e dissonância. Com a combinação certa de tons e sutis flutuações de volume, panning e textura, é possível criar drones que envolvem profundamente o ouvinte, apesar da simplicidade da composição. Mas não é preciso se limitar aos drones; progressões de acordes e melodias podem ser tão prevalentes na música ambiente quanto em qualquer outro gênero. Ferramentas como o LANDR Composer podem ajudar a gerar ideias de progressões de acordes e arpejos, que são um pilar de muitas formas de música ambiente devido ao seu estilo repetitivo e potencial hipnótico. Muitos trabalhos pendem para harmonias suaves ou melancólicas, mas isso não é uma regra.
Outra característica interessante é que a música ambiente é frequentemente menos dependente de linhas de baixo e frequências graves do que outros gêneros. Embora o baixo possa fortalecer melodias e harmonias, fazer faixas ambiente sem linhas de baixo pode ser um exercício revelador, ajudando a estabelecer uma sensação mais relaxada e atmosférica em suas mixagens.
4. Dinâmica
A dinâmica refere-se a fatores musicais relacionados ao volume e suas variações ao longo do tempo. Na música ambiente, quando os elementos são simples e sustentados, é crucial criar um senso dinâmico de mudança e movimento, mesmo que sutil e gradual. Essa mudança sutil é uma das marcas estilísticas do gênero.
Mesmo um acorde básico pode se tornar uma composição interessante com a dose certa de variação. A música ambiente é mais eficaz quando é dinâmica em volume, espaço e presença, com variações sutis que mantêm o interesse do ouvinte. Isso se aplica desde as formas dos envelopes em seus sintetizadores, especialmente para pads e acordes. Um ataque longo, por exemplo, é mais suave para o ouvido e mais eficaz para estabelecer atmosfera e humor, sendo uma característica comum em muitas linhas de sintetizador ambiente.
As dinâmicas também são importantes para construir um senso de dimensão e contraste espacial. É possível usar diferentes valores de volume, panning e reverb em sons distintos para criar uma sensação de primeiro plano e fundo que se desenvolve ao longo do tempo. Isso simula a experiência de estar em um grande espaço com fontes sonoras a diferentes distâncias. Finalmente, as dinâmicas são cruciais em uma escala maior, no que diz respeito ao ritmo, arranjo e estrutura composicional. Uma seção da faixa pode ser mais silenciosa, enquanto outra pode ser mais alta, e esse contraste ajuda a desenvolver um senso de narrativa ou fluxo para o ouvinte. Para aprofundar na excelência do som, um guia definitivo sobre como fazer uma boa mixagem é essencial.
5. Tempo
O tempo é, obviamente, o aspecto mais importante de todas as formas de música. Mas, na música ambiente, certos usos do tempo podem ser particularmente interessantes e até cruciais para definir seu estilo. Não é preciso ter uma estrutura composicional super complexa. Na verdade, algumas das melhores músicas ambiente simplesmente oferecem ao ouvinte um vislumbre de um evento repetitivo que parece durar para sempre.
Existem faixas que simplesmente desvanecem um motivo repetitivo com mudanças sutis antes de desaparecer novamente. Outras, como as famosas “Disintegration Loops” de William Basinski, estendem essa ideia por muito mais tempo, onde a estrutura e a duração são definidas pelo processo de deterioração física da fita analógica enquanto toca repetidamente. Há peças bastante longas com mudanças significativas ocorrendo bem dentro da composição.
Quando se trata de tempo, ritmo e estrutura, não há regras rígidas na música ambiente. É possível gravar uma improvisação de uma hora ou construir uma peça curta e doce com a duração de uma canção pop. No entanto, é encorajador permitir que as faixas respirem, experimentando durações mais longas e brincando com mudanças mais lentas ou sutis. Ao trabalhar em uma peça, pode ser útil criar uma composição em loop e deixá-la rodando por um período prolongado enquanto se faz outras coisas. Isso ajuda a determinar se os sons se sustentam na escuta estendida, o que é muitas vezes a marca de uma ótima peça.
Encontrando Seu Fluxo
A ideia de música ambiente pode ser diferente para cada pessoa, sendo um gênero notavelmente amplo e cheio de nuances. É exatamente isso que o torna tão inspirador e criativamente gratificante. Seja qual for a forma como se desenvolve a abordagem à música ambiente, a recomendação é ouvir o maior número possível de estilos diferentes. De dark ambient a drone, de new age a gravações de campo, de minimal ambient a ambient techno, há inúmeras formas para explorar. Continue ouvindo, aprendendo e imergindo – é assim que se descobrem as melhores maneiras de imergir seus próprios ouvintes.
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