É fácil argumentar que Janis Joplin foi uma das poetisas mais atormentadas da história. Mais do que um mero canal para sua própria dor, Joplin era sua dor; as rachaduras em sua voz eram apenas um sinal superficial de tudo o que sentia profundamente em seus ossos. Mesmo seus trabalhos mais alegres sempre voltavam àquilo que definia sua vida: a solidão.
A Solidão como Tema Central
É um tema comum na música blues a resignação a uma vida de solidão e amargura, mesmo em momentos em que o riso e a felicidade se tornam uma distração bem-vinda. No entanto, essas experiências também costumam solidificar tais atitudes. Através de sua música e composição, Joplin frequentemente falava sobre amor e romance como se as partes boas fossem sempre passageiras, como se a permanência da felicidade fosse um luxo que nunca seria tecido em sua própria história, deixado de fora de seu coração e alma e dado a outras pessoas para desfrutar e valorizar.
O Mito da Artista Atormentada
Ouvimos falar sobre a chamada “artista atormentada” em quase todos os cantos da cultura hoje, mas Joplin, ao contrário de muitas, realmente conhecia a miséria. Curiosamente, essa é também a maior e mais sóbria razão pela qual quase todos os colegas da cena de San Francisco dos anos 60 tinham uma história quase mitologizada e romântica sobre ela, mesmo aquelas em que sua turbulência pintava as linhas de suas palavras e expressões como algo com que ela havia nascido. Como se tivesse sido criada por alguma figura divina anônima e sem rosto, crescida do verde e marrom da própria turbulência, e colocada na terra para gerar arte que fazia até mesmo os mais estabelecidos se sentarem eretos e ouvirem. Ou boquiabertos, no caso de Peter Albin.
A Imagem e a Realidade
Mas Joplin não era a fonte dos desejos de ninguém, não tradicionalmente, mas sim uma entidade estranha e sobrenatural que aparecia áspera e aguçada por algum tipo de trauma que carregava em sua postura e nas roupas que usava – camisetas brancas, abertas no peito e um olhar que simplesmente brilhava em provocação. Toda pessoa com olhos e meia mente para ler entre as linhas saberia que muito disso vinha de ser uma mulher cercada por homens, mas o blues, segundo John Kay, tornou-se seu “escudo protetor”.
A Tragédia de Janis Joplin
A maioria das pessoas pensa em Joplin com tristeza, porque isso, acima de tudo, é de onde veio sua arte. A maioria das pessoas a vê como uma figura trágica porque, quando tudo está dito e feito, isso é exatamente o que ela era. Mas talvez a parte mais trágica de tudo isso, além das razões intrincadas de por que ela era do jeito que era e por que, no final, sucumbiu àquilo que a destruiu o tempo todo, é que ela também percebeu isso. Inúmeros outros a descreveram com palavras compassivas, como suspiros tristes e empáticos, mas ela também viu. Ela se via exatamente da mesma maneira.
A Visão Interna da Dor
“Não consigo escrever uma música a menos que esteja realmente traumatizada, emocional e tenha passado por algumas mudanças, estou muito deprimida”, disse ela certa vez à Rolling Stone. “Ninguém nunca vai te amar melhor, e ninguém vai te amar direito.” A música à qual ela se referia, e talvez uma de suas mais trágicas, foi ‘Kozmic Blues’, música sobre a qual ela disse certa vez: “Significa apenas que não importa o que você faça, cara, você será derrubado de qualquer maneira.”
A Resignação em “Kozmic Blues”
Esse desapego solene, ou resignação – o tipo familiar de Joplin – é sentido em toda a música, na maneira como suas palavras batem no ritmo de sua própria desilusão inerente e crença no fato de que, não importa o que ela faça, seu destino está selado, e seu destino é um cheio de solidão e desespero. Enquanto ela canta: “Eu disse você, eles sempre vão te machucar / Eu disse que eles sempre vão te decepcionar”, enquanto reflete sobre como ela está sempre se movendo, embora não saiba por quê, porque não há sentido quando o destino final nem sequer existe. Sua música é um grito de dor, um testemunho da luta interior e a aceitação amarga de uma realidade solitária. A poesia de Joplin reside na sua honestidade crua, na sua capacidade de transformar a dor em arte, deixando um legado duradouro para a música e para a compreensão da complexidade da experiência humana.
