Um tropo surpreendentemente comum na indústria da música é que músicos de fama internacional passam a odiar a própria música que ajudou a dar a eles a plataforma principal de que precisavam. Uma combinação de fatores provavelmente leva ao crescente desdém que esses artistas têm por suas músicas mais adoradas. Há então a necessidade de evolução artística, o desgosto pela saturação do mercado e o aborrecimento geral que se deve sentir por ter um grande corpo de trabalho reduzido a uma única entrada de três minutos.
É uma preferência generalizada também. Artistas, incluindo Nirvana e Radiohead, expressaram seu desdém por uma música específica com a qual a maioria das pessoas os associa. Um material que, mais comumente, não está nem perto do topo de seus melhores trabalhos ainda, mas ainda atua como seu hit de manchete.
Ter um hino que ganha vida própria, que vai se tornar maior do que o artista que o criou. É essa a definição de uma faca de dois gumes. Por um lado, a música alcançou então um grande número de pessoas que antes não teriam contato com seu trabalho. Isso é um fator contribuinte de sucesso que geralmente resulta em shows maiores e uma oportunidade de levar sua banda ao próximo nível.
Por outro lado, no entanto, esses shows crescentes começam a se encher do tipo de pessoa que compraria ingressos na esperança de ouvir aquela música. E então, finalmente, passaria a noite inteira descomprometida, lutando para se envolver com os procedimentos e, assim, prejudicar a atmosfera.
Aqui, compilamos uma lista de dez artistas que passaram a odiar seu maior sucesso.
Oasis – ‘Wonderwall’
O clássico do Oasis ‘Wonderwall’, que apareceu então no impecável álbum de 1995 da banda (What’s the Story) Morning Glory? , é amplamente considerado como um ponto de virada na história da música indie. O disco alcançou um sucesso comercial inigualável e delineou uma nova direção para bandas desse tipo explorarem. Embora tenha feito dos Mancunians, sem dúvida, a maior banda da Grã-Bretanha, nos anos desde seu lançamento, o single se tornou uma das faixas mais tocadas de todos os tempos. E até Liam Gallagher ficou cansado disso.
“Pelo menos não há ‘Wonderwall’ lá. Eu não aguento essa porra de música! Toda vez que eu tenho que cantar eu quero vomitar,” Gallagher disse a WENN em 2008. “O problema é que foi uma grande, grande música para nós. Você vai para a América e eles ficam tipo: ‘Você é, Sr. Wonderwall?’ Você quer chingar alguém,” ele adicionou de uma forma que só ele poderia.
R.E.M. – ‘Shiny Happy People’
Na primeira audição, a música aparece como uma grande faixa pop alegre. Na verdade, essa afirmação é um forte contraste com o tipo de música que o público em geral associaria ao molde REM. Referenciando assim o mais sombrio ‘Everybody Hurts’ ou ‘Losing My Religion’ como exemplos principais, mas ‘Shiny Happy People’ se tornou um golpe de monstro.
A música foi lançada em 1991, dois anos após o levante da Praça Tiananmen, quando o governo chinês reprimiu os manifestantes estudantis. Eles mataram centenas de pessoas no processo, em um evento que deixou uma cicatriz na humanidade desde então. Com a música usando a frase ‘ Shiny Happy People ‘, que eles tiraram de cartazes de propaganda chinesa, começou uma tentativa de enganar o mundo a acreditar em uma imagem muito diferente do que estava acontecendo sob o regime no início dos anos 1990.
Michael Stipe chamou isso de “uma música realmente frutada, meio chiclete”, em uma entrevista ao The Quietus . Mais tarde, ele admitiu que ficou um pouco envergonhado quando se tornou um grande sucesso por causa de seu som alegre na superfície, que não estava alinhado com o tipo de artista que ele queria se tornar. A música já foi considerada o tema do seriado de televisão Friends , que teria colocado o material em uma trajetória ainda mais selvagem.
“A ideia de REM de muitas pessoas, e eu em particular, é muito séria, sendo eu um tipo de poeta muito sério”, Stipe sustentou. “Mas eu também sou muito engraçado – ei, meus colegas de banda pensam assim, minha família pensa assim, meu namorado pensa assim, então eu devo ser. Mas isso nem sempre aparece na música. As pessoas têm essa ideia de quem eu sou provavelmente porque quando falo na câmera, estou trabalhando tanto para articular meus pensamentos que pareço muito intenso.”
Beastie Boys – ‘Fight For Your Right (To Party)’
Os Beastie Boys ajudaram a estabelecer o hip-hop como a força dominante que conhecemos hoje com seu enfático lançamento de 1986, Licensed To Ill . O álbum foi então uma lufada de ar fresco, um híbrido da cena hip-hop underground de Nova York e do movimento punk, com os Beastie Boys canalizando uma atitude que lembra Joe Strummer, entre muitos outros.
Como seu primeiro lançamento, muitas pessoas não entenderam que uma grande parte de tudo relacionado aos Beastie Boys estava encharcado de ironia e zombando de áreas da sociedade. Então, quando eles lançaram a visceral, ‘(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)’, a maioria das pessoas levou a música ao pé da letra, para irritação de Mike D, MCA e Ad-Rock.
‘Fight For Your Right’ era uma paródia da cultura da fraternidade da época. Em vez de ser tratada com o efeito desejado que pretendiam, a faixa se tornou um hino celebrando exatamente o que estava zombando. Por ser o primeiro single de sucesso deles, isso significava que era a primeira introdução de muitas pessoas no mundo dos Beastie Boys. Compreensivelmente, eles então aceitaram o grupo pelo valor nominal e assumiram que representavam tudo o que detestavam.
“Era o verão de 1986. Nós a escrevemos em cerca de cinco minutos”, lembra Mike D em 1987. Espaço em guardanapos em cima daquelas mesas rendadas de merda. Lembro que fizemos questão de dizer: ‘Olha, temos que fazer as coisas’, e sentamos em uma mesa, realmente determinados a realizar algo. ”
Embora, Mike D tenha boas lembranças de criar a faixa – como as pessoas interpretaram a música foi uma história totalmente diferente, “A única coisa que me incomoda é que podemos ter reforçado certos valores de algumas pessoas em nosso público quando nossos próprios valores eram realmente totalmente diferente”, lamentou. “Havia toneladas de caras cantando [Fight for Your Right] que estavam alheios ao fato de que era uma bobagem total para eles. A ironia é muitas vezes esquecida.”
Lorde – ‘Royals’
Lorde, a neozelandesa, que entrou em cena aparentemente do nada com apenas 16 anos com o lançamento de ‘Royals’ em 2013, imediatamente alcançou a fama, e a faixa fez dela uma das maiores estrelas pop do mundo – mas ela é não é fã da música que fez dela uma estrela.
Ela chegou a descrever seu hit de estreia como “desastroso”, antes de acrescentar: “Eu ouço as pessoas fazendo covers da música e dando seu próprio toque nela”, ela explicou então ao Scotland’s Daily Record . “Eu ouço em todas as formas, exceto a original que lancei – e percebo que, na verdade, soa horrível.”
Ela então desprezou mais ‘Royals’, acrescentando: “Parece um toque de um Nokia de 2006. Nenhuma das melodias é legal ou boa. É desastroso. Horrível… mas pela mesma razão, no contexto da forma como o lancei, deu certo.”
The Who – ‘Pinball Wizard’
‘Pinball Wizard’ é um dos melhores trabalhos do The Who, que foi um ponto alto em seu magistral álbum conceitual Tommy e também foi um sucesso comercial em ambos os lados do Atlântico. A maioria dos fãs do The Who terá ‘Pinball Wizard’ em suas cinco principais faixas do grupo seminal, mas o escritor da música, Pete Townshend, pensa o contrário sobre o clássico genuíno.
Ao descrever a composição da música , Townshend disse: “Eu parei. Eu pensei: ‘Oh, meu Deus, isso é horrível, a escrita mais desajeitada que eu já fiz. Oh meu Deus, estou envergonhado. Isso soa como uma música do Music Hall. Eu rabisquei e todos os versos tinham o mesmo comprimento e não havia meio oito. Seria um fracasso completo, mas eu continuei.”
Ele continuou: “Eu tentei o mesmo começo de guitarra barroca simulada que está em ‘I’m a Boy’ e então um pouco de guitarra flamenca vigorosa. Eu estava apenas pegando ideias, montei uma demo e levei para o estúdio e todos adoraram.
“Damon Lyon-Shaw (o engenheiro de Tommy ) disse ‘Pete, isso é um sucesso’. Todo mundo estava muito animado e de repente eu pensei ‘Eu escrevi um hit?’ Foi só porque a única pessoa que sabíamos que nos daria uma boa crítica era um fanático por pinball.”
Radiohead – ‘Creep’ (músicos)
O hino do Radiohead ‘Creep’, uma música que é inquestionavelmente o maior sucesso da banda, continua sendo uma fonte repetida de angústia para o grupo. Dada a superabundância de obras-primas criadas ao longo de uma carreira de 35 anos, o fato de essa música ser frequentemente o foco da atenção das pessoas é uma frustração repetida para seu criador Thom Yorke.
‘Creep’ se tornou um hit underground para a banda nos Estados Unidos, que pode ser rastreado até uma faculdade californiana que adicionou a música a uma lista de reprodução de rádio em San Francisco. Uma versão censurada do número foi então lançada nas estações de rádio e, gradualmente, tornou-se um hino do rock alternativo americano.
Ao longo dos próximos dois anos de turnê, a banda começou a perder a paciência com a faixa e o tipo de clientela que atraía para seus shows. “Parecíamos estar vivendo os mesmos quatro minutos e meio de nossas vidas repetidamente. Foi incrivelmente estupidificante”, disse Johnny Greenwood naquelas primeiras turnês, lembrando até como os membros da platéia gritavam por ‘Creep’ e então saíam imediatamente após a apresentação.
Durante aquela série de datas ao vivo para o terceiro álbum do Radiohead, OK Computer , Yorke se tornou hostil quando ‘Creep’ foi mencionado em entrevistas e, nas semanas seguintes, começou então a recusar pedidos para tocá-lo ao vivo. Uma noite em Montreal, as coisas pioraram quando Yorke gritou para o público: “Foda-se, estamos cansados disso”.
O vocalista até dispensou os fãs exigindo ouvi-lo como “retardado anal”, e eles tocaram em menos de meia dúzia de ocasiões desde então.
Nirvana – ‘Smells Like Teen Spirit’ (músicos)
O Nirvana foi impulsionado a jato para o estrelato graças ao vídeo de ‘Smells Like Teen Spirit’ estar em rotação constante durante praticamente todos os anos em que a MTV exibiu videoclipes. O clipe foi então a destilação do crescente movimento grunge da América e deixou o Nirvana remando no mainstream, que eram águas em que eles não se sentiam à vontade para nadar.
“Todo mundo se concentrou muito nessa música”, Cobain comentou uma vez à Rolling Stone. “A razão de ter uma grande reação é que as pessoas viram na MTV um milhão de vezes. Foi martelado em seus cérebros.”
O icônico frontman então continuou sua denúncia da faixa: “Eu mal consigo, especialmente em uma noite ruim como esta, passar por ‘Teen Spirit’. Eu literalmente quero jogar minha guitarra no chão e ir embora. Não posso fingir que estou me divertindo tocando.”
Led Zeppelin – ‘Stairway To Heaven’ (músicos)
A faixa, lançada no final de 1971, foi criada por Plant e seu colega de banda Jimmy Page para o quarto álbum de estúdio sem título do Led Zeppelin e é então considerada por muitos como uma das maiores canções de rock de todos os tempos. Uma das pessoas que não considera isso como um dos pontos altos do rock ‘n’ roll é o frontman Robert Plant, que não sente nada em relação às letras.
Enquanto estava sentado com a UCR como parte de seu programa de rádio Nights em 2019, Plant disse: “A construção da música, a construção musical real, é muito boa. É um daqueles momentos que realmente pode ficar sem vocal e, de fato, vai ficar de novo sem vocal, tenho certeza, porque é uma bela peça musical.”
“Liricamente, agora, não consigo me identificar com isso, porque foi há muito tempo. Eu nunca mais teria intenção de escrever nessas linhas abstratas. Eu teria urticária se tivesse que cantar essa música em todos os shows”, acrescentou.
Guns ‘N’ Roses – ‘Sweet Child O’ Mine’ (músicos)
Poucas músicas são tão conhecidas quanto o hit ‘Sweet Child O’ Mine’ do Guns ‘N’ Roses. A música tem sido então um dos pilares das rádios de rock desde seu lançamento em 1987 e perfurou os tímpanos a cada minuto que recebeu. Se você já pegou o dial quando os tons estridentes de Axl Rose e seu vocal nasal atingiram os alto-falantes, então você não está sozinho.
Apesar de ser uma das maiores músicas da história do rock, proliferando a cultura pop como a conhecemos, a faixa é amplamente odiada pela banda, com o guitarrista Slash tendo uma visão particularmente negativa da música. No entanto, com o tempo, o ódio do líder do machado pela faixa diminuiu: “Eu odiei por anos, mas causaria tal reação, então finalmente consegui apreciá-lo”.
Com 1,5 bilhão de streams da música apenas no YouTube, é justo dizer que se a banda não gosta da faixa, eles fazem parte de uma pequena minoria.
Queen – ‘Don’t Stop Me Now’ (músicos)
Embora não possamos necessariamente afirmar que todos os membros do Queen não gostam de seu machucado, ‘Don’t Stop Me Now’, o guitarrista do Queen, Brian May, provavelmente tem desdém suficiente por todos eles. May explicou uma vez que, inicialmente, ele não gostou da música, pois achava que as letras de Freddie Mercury subestimavam os perigos do HIV/AIDS, com May dizendo que a achava “leviana”. No entanto, May acabou sendo conquistado depois que percebeu que “dava grande alegria às pessoas”.
“Eu realmente não aceitei isso no começo. Eu não me sentia totalmente confortável com o que Freddie estava cantando na época”, disse May à publicação. “Achei um pouco leviano demais em vista dos perigos da AIDS e outras coisas. Mas com o passar do tempo, comecei a perceber que isso dava grande alegria às pessoas.”
“Eu tive que desistir. É uma ótima música – não tem como contornar isso,” ele continuou. “Acho que é isso que Freddie tinha um talento incrível para fazer: ele podia colocar seu botão em coisas que fazem as pessoas se sentirem um pouco mais vivas .”
A surpreendente popularidade da faixa sempre intrigou May, com ele chamando-a de “fenômeno”. Detalhando ainda mais, ele disse: “Eu vi isso em todos os tipos de funções. Tornou-se a música mais pedida em despedidas de solteira e despedidas de solteiro e casamentos e funerais – só porque traz alegria.”
“Eu não tenho nenhum problema com isso agora – eu gosto de tocá-lo no palco”, concluiu o guitarrista. “É maravilhoso que todos queiram cantá-la. Ao cantar conosco, eles expressam sua própria alegria e sua própria determinação de fazer o melhor de suas vidas, e continuar e não serem derrubados pelas coisas”.
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